Biographie

En 2003, Manon Briand, la cinéaste originaire de Baie-Comeau, obtenait quatre nominations au Gala Québec Cinéma, dont celui du meilleur scénario, pour le chef d’œuvre « La Turbulences des fluides », tourné dans sa ville natale. Une décennie plus tard, elle remportait le Women in Film and Television Artistic Merit Award au festival de Vancouver, pour son long-métrage « Liverpool ».
Après son diplôme en Arts Plastiques, option cinéma à l'Université Concordia, Manon Briand complète sa formation par un stage d'écriture de scénario à Villeneuve-Lès-Avignon. En 1988 elle crée avec l'aide d'autres réalisateurs, " Les films de l'Autre " un collectif de cinéastes indépendants.

En 1990, elle produit et met en scène Les Sauf Conduits qui remporte le Prix Claude-Jutra du Meilleur Espoir aux 10e Rendez-vous du cinéma québécois et le Prix du jury " Graine de Cinéphage "au Festival Films de Femmes de Créteil en 1992. Manon Briand y prend le pouls de sa génération de gais, lesbiennes, bisexuels urbains branchés – et mêmes des hétérosexuels – pour qui l’identité sexuelle est une affaire de cœur.

Elle écrit et réalise deux courts-métrages, Crois de Bois en 1992 et Picoti Picota en 1995 qui remportent, entre autres, le Prix de la Fondation Alexander S. Scotty pour le meilleur film traitant de la vieillesse et de la mort au festival international du court-métrage d'Oberhausen en 1996. En 1997, elle écrit et réalise un des segments du film collectif Cosmos, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs du Festival de Cannes 1997 et Lauréat du Prix International d'Art et Essai.

Avec son premier long-métrage « 2 Secondes », la cinéaste propose un mélodrame habilement forgé, traitant d’une lesbienne, coureuse cycliste finie, qui s’épanouit comme courrier à vélo dans les rues usées de Montréal. Au début des années 2000, « Heart—The Marilyn Bell Story », une biographie télévisée en anglais au sujet de la nageuse marathonienne de Toronto, lui a permis de parfaire ses compétences comme réalisatrice, tout comme de pousser plus loin son intérêt pour les corps féminins, les défis athlétiques et l'ambiguïté sexuelle.

Wikipédia classe la Baie-Comoise dans la catégorie « Réalisatrices canadiennes dont l’œuvre est marquée par les thèmes LGBTQ ». Son nom est désormais accolé à une certaine nouvelle vague du cinéma québécois.

Peu de gens au Québec ignorent cette femme bientôt centenaire. Elle a été et est encore bien souvent celle à qui on s’adresse, dans le monde des médias et dans l’espace public en général, pour discuter et venir témoigner d’une réalité qui nous échappe trop souvent dans cette vie trépidante qui se déroule à une vitesse folle.

On parle ici des relations entre les femmes et les hommes, entre les parents et les enfants, des relations familiales, des relations interculturelles dans notre société, des relations sexuelles et bien d’autres questions qu’elle a étudiées, analysées, questionnées, scénarisées et expliquées par le biais de ses écrits, de ses conférences, de ses téléromans, de ses chroniques à la radio, de ses téléséries dramatiques, de sa légendaire téléréalité autour d’une table où on s’adonnait à « Parler pour parler »… et combien d’autres encore, depuis plus de 60 ans.

Janette Bertrand est née dans le quartier Centre-Sud à Montréal, autour de l’endroit où se  trouve aujourd’hui la station de métro Frontenac. Connue au début surtout comme  comédienne, elle est aussi une journaliste et écrivaine au long parcours. Ses études en lettres à  l'Université de Montréal lui ont permis de devenir journaliste en 1950, d’abord comme  chroniqueuse, ce qui la sensibilise aux revendications des féministes. 

Par la suite, elle devient animatrice à la radio pendant plusieurs années. Comme courriériste du coeur dans les années 1960, elle donnait déjà la parole aux sans voix, aux personnes qui se sentaient isolées, rejetées ou exclues en publiant telles quelles, et sans censure, les très émouvantes lettres qu’elles recevait, parmi lesquelles beaucoup de SOS d’hommes gais et de femmes lesbiennes à qui elle redonne courage et espoir en les incitant à s’accepter. À cette époque, rappelons-le, l’Église condamnait sans aucune nuance l’homosexualité, et la science la considérait comme une maladie mentale alors que la loi la punissait comme un crime.

À la même époque, elle fut la confidente des adolescents à Comment pourquoi?, où elle s'efforce de rassurer les jeunes et de répondre à leurs questions autant que le permet le contexte du début des années 60, c'est-à-dire en faisant totalement l'impasse sur les relations sexuelles.

Plus tard, de 1984 à 1994, avec l’émission « Parler pour parler » elle sera la première à inviter, en direct, à la télé, des hommes gais, des femmes lesbiennes, des personnes transgenres et des personnes bisexuelles à parler de leur vécu. La première aussi à donner la parole à des personnes atteintes du sida, à des victimes d’agressions sexuelles, à des travailleuses du sexe, à des personnes itinérantes, la liste complète de sujets alors très sensibles qu’elle a abordés serait longue.

Dans ses propres écrits, notamment ses scénarios joués à la télé « Avec un grand A » (1986 à 1996), elle fera aussi large place à la diversité sexuelle et de genre afin de défaire les préjugés et les tabous qui perdurent.

En somme, comme éducatrice populaire à la sexualité, avant même que ce concept existe, Janette Bertrand fut des plus avant-gardistes et certainement parmi les plus grandes et des plus constantes alliées que la communauté LGBTQ+ a connues au cours de l’histoire du Québec. Janette Bertrand a contribué de façon notable au changement des mentalités au Québec pour l’acceptation des personnes LGBTQ+ en faisant en sorte que leurs réalités soient mieux connues.

Pour toutes ces raisons et bien d’autres encore, la Fondation Émergence a créé en 2019 le Prix Janette-Bertrand remis à une personnalité non-LGBTQ+ ou organisme non-LGBTQ+ qui a contribué de façon importante à la lutte contre l’homophobie et la transphobie par une action marquante particulière ou de manière répétée, par une implication continue.

En 2024, Janette n’a pas encore décidé du moment de sa « retraite ». Elle parle encore de projets et de nouvelles idées pour poursuivre son œuvre…

Source : La Fondation Émergence

« Une grande perte pour nos communauté » : voilà comment Pierre Pilotte, le coordonnateur des Archives gaies du Québec (AGQ), a commenté l’annonce du décès le 23 juin de John Banks, l’un des plus vieux militants et activistes de la cause LGBT à Montréal. « Son militantisme et son bénévolat indéfectibles pour plusieurs causes vont manquer à nos communautés », a-t-il poursuivi.

Dans un message transmis aux membres, il est précisé que s’il a été de toutes les premières luttes pour les droits et libertés de cette communauté, John Banks, « Grand ami des Archives gaies du Québec, il venait régulièrement y faire du bénévolat depuis plusieurs années ».
Très jeune il assume son homosexualité, mais surtout il décide de ne pas se taire, ni de se cacher. Ils n’étaient pas très nombreux à cette époque, loin de là. À l’origine des premiers organismes LGBT, John Banks sera de tous les combats, de toutes les luttes et ce, jusqu’à la fin.

« Toute sa vie, il se battra pour la reconnaissance des droits des personnes LGBT et ne se laissera jamais abattre par l’adversité. Il a toujours été fier de ce qu’il avait accompli mais sans s’en vanter. Homme modeste et réservé, il n’aimait pas faire étalage de ses exploits. Ainsi, c’est lui qui, en 1979, à son retour de Vancouver, lança la première marche de la Fierté au square Saint-Louis avec quelques dizaines d’amis et de militants pour souligner le 10e anniversaire des émeutes de Stonewall à New York », poursuit le communiqué de AGQ.

 Photo par Danny Godbout
En 2019, alors qu’il en est le co-président d’honneur, Fierté Montréal crée en son honneur le prix John-Banks, qu’il est le premier à recevoir. Il était déjà récipiendaire de plusieurs prix, dont un prix Phénicia de la Chambre de commerce LGBT du Québec.
Né le 3 juillet 1943, il aurait fêté ses 81 ans cette année. La direction de AGQ prévoit organiser un événement à sa mémoire éventuellement.

L’éditeur et l’équipe des GuidesGQ s'unissent pour transmettre leurs vœux de sincères condoléances à la famille et aux proches de John Banks.

Photo principale : AGQ

Si l’Acadie a découvert la musique et les membres du groupe Écarlate dès 2021, alors qu’ils ont remporté cette année-là plusieurs prix lors de concours et de galas, dont celui du prestigieux Gala de la chanson de Caraquet, il en va autrement de Samuel LeBlanc, qui a été mis sous les feux de la rampe en 2023, grâce au film documentaire du cinéaste acadien Julien Cadieux, « Y’a une étoile ».

Écarlate est un groupe composé de Clémence Langlois, Daphnée McIntyre et Samuel LeBlanc, trois multi-instrumentistes de Moncton au Nouveau-Brunswick, qui présentent des ballades attendrissantes depuis plus de trois ans. En pleine pandémie, alors qu’ils sont tous trois âgés de 17 ans, le groupe remporte la 17e édition d’Accros de la chanson et la 52e édition du Gala de la chanson de Caraquet, ce qui propulsera leur carrière sur la scène des Maritimes.

  
« Leur musique haute en émotion, purement venue du cœur, cartographie leur passage de l’adolescence vers l’âge adulte et touche les cœurs de petits et grands. Leur monde nostalgique et leurs morceaux tantôt poignantes, tantôt plus humoristiques, sauront vous border à travers un arc-en-ciel d’émotions fortes », peut-on lire dans un média régional.

Maintenant à l’aube de la vingtaine et un bagage de plus à leur côté, le groupe se cristallise dans une esthétique de sons variés en goutant au folk, pop et country, dans l’authenticité, l’exploration et leur douce touche personnelle. Comme leur vécu, leur spectacle est une aventure, un voyage dans le temps et une rêverie du futur.
Justement, leur vécu, plus particulièrement celui de Samuel LeBlanc, jeune musicien transgenre, a retenu l’attention du cinéaste de Shediac pour la réalisation du film « Y'a une étoile ». Julien Cadieux a choisi de mettre en vedette les trois membres du groupe Écarlate, et particulièrement Samuel LeBlanc, autour de la chanson d’Angèle Arsenault qui porte ce titre.

Originaire de Sainte-Marie-de-Kent au Nouveau-Brunswick, Samuel LeBlanc s’est longtemps questionné sur son identité queer et son identité culturelle, l’amenant à chercher une réponse à la question : « L’Acadie queer, ça existe-tu ? ». C’est cet aspect de sa personnalité que le film met en lumière.

« Les paroles d'Angèle Arsenault font écho à un moment où le féminisme était très portant, la parole féministe était importante. Et les enjeux féministes sont les enjeux de la communauté queer. L'émancipation des femmes qu'on a pu commencer à voir dans les années 60, 70 et 80, sont les mêmes choses que les personnes trans peuvent vivre », explique le cinéaste, dont le film s’est mérité les honneurs en mai 2024 lors du Gala les Éloizes à Shediac.
« C'est vraiment quand j'ai fait la rencontre de Sam et d’Écarlate que ça a donné la bouffée de fraîcheur au film pour qu'il puisse prendre son envol », ajoute Julien Cadieux.

Vignette-photo : Clémence Langlois, Samuel LeBlanc et Daphnée McIntyre du groupe Écarlate, avec le cinéaste Julien Cadieux (2e à partir de la droite), réalisateur du documentaire musical « Y'a une étoile ».

Samuel LeBlanc témoigne de la chance qu’il a eue, grâce au tournage du film, de rencontrer toutes ces personnes, de voyager un peu à travers l'Acadie et de rencontrer des gens qui vivent un peu les mêmes choses que lui, qui ont vécu une identité queer et une identité acadienne.

Profitant de l’élan et de la visibilité qui leur ont été accordés depuis trois ans, le trio groupe Écarlate a lancé son tout premier EP de cinq chansons, « Fleur de peau » dans le cadre d’Acadie Rock 2023.

Samuel LeBlanc veut poursuivre sa passion de la musique. Il a plein de projets qu’il entend bien mettre de l’avant avec ses collègues d’Écarlate. En attendant, le groupe a un carnet de spectacles bien rempli d’ici la fin de l’année 2024.

Écarlate
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(506) 961-1888
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Tôt un matin du début de mai, autour d’un café au Adorable Chocolat de Shediac, en Acadie, sa ville de résidence, Julien Cadieux accepte de livrer un pan de sa déjà vaste expérience de cinéaste, scénariste, réalisateur et monteur.

Rapidement, la question de l’inclusion surgit et devient presque le point central de cet entretien. Parce que pour lui, c’est ça qui le motive dans son œuvre de cinéaste : donner la parole et exposer le vécu de gens qui vivent des enjeux reliés à leur identité, à leurs origines, à leur sexualité, à leurs démêlés avec les institutions et organisations, à la justice sociale, entre autres.

 
Depuis 2008, après des études en cinéma à l’Université Concordia à Montréal, il a enfilé les projets et les réalisations, dont certaines ont été primées et ont connu un vif succès auprès d’une diversité de communautés. « Le cinéma en Acadie a un réel impact dans la communauté. Il faut que les gens se voient dans le cinéma. C’est ce qui m’anime d’abord dans mes productions », assure-t-il.

Il a personnellement scénarisé, fait le montage et réalisé une douzaine de productions, la plupart reliées à des sujets acadiens, dont les plus connus sont Y’a une étoile (2023), Daniel Le Tisserand (2023), Farlaques (2021), Métisser une rivière (2020). Au Québec, son documentaire Guilda : elle est bien dans ma peau (2014) sur ce célèbre artiste transformiste montréalais, d’origine française, véritable précurseur de la diversité sexuelle pendant une soixante d’années.

 
Plusieurs de ces films ont été primés lors de festivals de cinéma ici ou ailleurs, au Québec, au Canada et même en France et aux États-Unis. C’est particulièrement ses films à thématique queer qui connaissent une plus importante visibilité et reconnaissance. Justement parce qu’ils donnent la parole ou mettent en lumière des situations particulières reliées à des membres des diverses communautés LGBT.
Julien Cadieux a aussi contribué au montage et à la scénarisation d’une vingtaine d’autres productions en cinéma ou vidéo depuis 2006.

 Avec Dan Robichaud,, du film Daniel Le Tisserand

Y a-t-il une vie queer en dehors des grandes villes ? À cette question, Julien Cadieux répond que c’est possible, mais que diverses contraintes peuvent décourager ceux et celles qui souhaiteraient poursuivre leur vie en milieu rural, par exemple en Acadie, où les services de santé adaptés aux clientèles LGBT sont presque inexistants. Plusieurs choisissent donc de quitter les régions pour aller vivre en milieu urbain, comme à Moncton, même si tout n’y est pas facile d’accès. C’est ce genre de problématique qu’il aborde et traite dans plusieurs de ses documentaires.

La question de l’inclusion l’intéresse particulièrement. C’est dans ce contexte qu’il entreprend sous peu un film portant sur un projet d’immigration dans la région de Cap-Pelé où de nombreux travailleurs étrangers temporaires provenant du Mexique, de la Jamaïque et des Philippines, entre autres, sont confrontés à des situations difficiles d’inclusion. Le cas de personnes LGBT parmi elles est aussi préoccupante, selon Julien Cadieux.

 
Dans son film « Y’a une étoile », on rencontre Samuel Leblanc, jeune musicien transgenre, qui entreprend un voyage avec ses amis du groupe Écarlate à travers l’œuvre de l’artiste acadienne Angèle Arseneault. Originaire d’un petit village, Samuel s’est longtemps questionné sur son identité queer et son identité culturelle. On y découvre par sa double minorité et le parcours de jeunes comme lui, le constat que malgré les embuches, « il y a une étoile pour chacun de nous ».

Ce film constitue une évocation très franche de ce que Julien Cadieux souhaite démontrer et présenter dans son cinéma documentaire, en lien avec l’Acadie, l’identité queer, la réalité des arts qui le passionnent et des rencontres humaines qu’il fait tout au long de son parcours.

Soulignons que Julien Cadieux a été nommé « artiste de l'année en arts médiatiques », justement pour le film Y'a une étoile lors de la soirée Les Éloizes 2024, le gala annuel de l'Association acadienne des artistes professionnel.le.s du Nouveau-Brunswick, à Shediac le dimanche 12 mai dernier.

Julien Cadieux, cinéaste
Shediac, NB
facebook.com/julien.cadieux

Poète de la jeunesse et de l’urbanité selon plusieurs, le 30 mai 2005, l’artiste Gérald Leblanc succombait à une longue lutte contre le cancer. Il avait 59 ans. Originaire de Bouctouche, il aura influencé la vie culturelle acadienne de multiples façons.

L’Acadie a perdu alors l’un de ses plus illustres poètes, pour qui la recherche de ses racines personnelles servait de tremplin à une voix foncièrement acadienne. Son langage poétique est celui du « chiac », ce parler du sud-est du Nouveau-Brunswick dont Leblanc est le champion incontesté. Sa voix poétique, riche et abondante, s’affirme fièrement sans aucune recherche de validation extérieure.

 

Auteur d’une anthologie de poésie acadienne, il stimule d’autres voix. Sa poésie pose la question suivante : « Qu’est-ce que l’identité acadienne ? » Son œuvre littéraire est immense. Les thèmes y sont multiples. En 1986, l'auteur célèbre l'absolu de l'amour dans Lieux transitoires et il en profite pour affirmer son homosexualité.

Il dirige les Éditions Perce-Neige à Moncton, une maison d'édition qui se consacre à la nouvelle littérature acadienne de 1991 à sa mort. Au cours de cette période, il organise de nombreuses soirées et rencontres littéraires. Il a également été l’un des principaux paroliers du groupe 1755, qui a fait fureur dans les années 70. On lui doit quelques classiques de la chanson acadienne, dont certains seront  repris par Marie-Jo Thériault.

Cet homme de lettres prolifique et engagé s’est aussi livré à quelques reprises sur ce qui l’a inspiré et aussi choqué. Dans une longue correspondance (Lettres à mon ami américain 1967-2003) entretenue avec son cousin Joseph Olivier Roy, un enseignant américain originaire de l’Acadie, 161 lettres écrites pendant 36 ans, il partage son intérêt pour la littérature et son évolution personnelle en parallèle à celle de l'Acadie au fil des ans.

Il y aborde d’ailleurs des éléments qui en disent long sur sa personnalité : « Des alcooliques, des putains, des fanatiques religieux, des homosexuels, etc. J’ai du sang très, très vicieux qui me coule dans les veines, j’ai une hérédité chargée de passion, de haine, de débauche et de péché (remarque que je ne dis pas AMOUR, enfin drôle de race). »

Leblanc affirme qu’il a « toujours aimé écrire des lettres » et que Roy n’est qu’un parmi ses nombreux correspondants d’alors : « […] une quinzaine de personnes, une dizaine de ‘Gay boys’, une lesbienne, quelques autres de ces êtres ‘normaux’ depuis les dix dernières années, si on collectionnait [sic] toute ma correspondance, il y aurait de quoi remplir 2 000 tomes au moins ».

L’extrême frontière, long métrage documentaire de Rodrigue Jean (2006) à l’ONF célèbre le poète Gérald Leblanc. Faisant rimer errance et appartenance, cet enfant de la Beat Generation a vécu loin de tous les tabous et propulsé l'Acadie dans la modernité. Le film est sorti un  an après le décès du poète.

En 2020, à l'initiative de deux professeurs de l'université, la Ville de Moncton inaugurait un parc qui porte désormais son nom juste devant l'hôtel de ville.

Mado Lamotte est un personnage incontournable de la vie nocturne du Village depuis maintenant plus de vingt ans. Tellement incontournable qu’elle a littéralement tête sur rue dans l’enseigne du Cabaret Mado qui porte son nom depuis 2002 et où elle est indubitablement la reine des lieux. De loin la plus connue des drag queens du Québec, elle a révolutionné le genre par son personnage extravagant et caricatural à l’humour bitch grinchant, ses perruques, ses maquillages flyées et ses costumes délirants. Une notoriété qui s’est même installé outre-Atlantique où elle aime bitcher nos cousins français qui l’invitent et en redemandent à Paris.

Luc Provost, l’homme derrière la bitch, a d’abord créé et rodé son personnage comme danseuse au Poodle, puis comme cigarette-girl au bar Le Lézard, sur le Plateau, dans le cadre des premiers Mardis interdits et aux Jeudis gais du Royal, les soirées Queenex dans le Quartier latin.

Mado a fait les belles heures de la vie gaie montréalaise avec ses fameux bingos initiés au bar Zorro avant de devenir les délirants Bingos à Mado au Sky Pub, puis au défunt Spectrum dans le Quartier des spectacles avant de faire le tour du Québec jusqu’au très chic Casino de Montréal. Elle est devenue une figure connue de la télé québécoise en participant à diverses émissions de variété et en agissant comme commentatrice des défilés de la fierté à la fin des années 1990 au défunt réseau Télévision Quatre Saisons.

Pendant des années, elle a attiré les plus grandes foules, des dizaines de milliers de spectateurs, à son spectacle annuel sur rue Mascara : La nuit des drags lors du festival LGBT Divers/Cité, l'un des plus grands événements drag au monde. Avec plus de 500 costumes de scène pour faire vivre son personnage, c’est une grande star dans l’univers des drag queens.

Autant de notoriété en a fait une des icônes de cire au Musée Grévin de Montréal depuis son ouverture en 2013. Mais mieux vaut aller la voir en personne dans son royaume, le Cabaret Mado pour goûter (ou subir) son humour grinchant.

Le plus important metteur en scène du Québec avec à son actif plus de 140 directions sur les planches, André Brassard  a grandi à Rosemont où il habite toujours. Sa connaissance de l’univers du Vieux-Rosemont qui ressemble passablement au Plateau-Mont-Royal voisin n’est certes pas étrangère à la rencontre qui allait faire de lui le metteur en scène de toutes les pièces de Tremblay pendant presque vingt-cinq ans. C’est sa parenté profonde avec le monde de Michel Tremblay qui a fait d’André Brassard l’un des metteurs en scène les plus estimés et respectés du Québec.

La première bombe du tandem Tremblay-Brassard éclate au Théâtre du Rideau Vert en 1968 avec Les Belles-Sœurs. Pour la première fois, le ‘joual’ québécois monte sur les planches pour exprimer un drame universel. Ce coup d’envoi est véritablement un coup de maître: la dramaturgie québécoise, après Gélinas et Dubé, vient de prendre un envol qui révolutionnera toute la société.

Deux ans plus tard, il inaugure la scène du Centre national des Arts d’Ottawa avec son ami Tremblay dans une adaptation de Lysistrata d’Aristophane. Aux débuts des années 1970, il réalise les films Françoise Durocher, waitress et Il était une fois dans l’Est en collaboration avec Michel Tremblay. Il a reçu pour cette œuvre immense de 1985 à 2007 plusieurs prix du milieu du théâtre. En 2004, la soirée des Masques lui décernait le Prix Hommage pour l’ensemble de son œuvre. On lui doit aussi la première mise en scène des Feluettes de Michel-Marc Bouchard en 1986 pour laquelle il recevra en 1989 le Prix Gascon-Roux.

André Brassard devient ainsi directeur artistique du Théâtre français du Centre national des Arts d’Ottawa de 1983 à 1989. Puis, de 1991 et 2000, il assure également la direction artistique de la section française de l’École nationale de théâtre du Canada établie à Montréal.

Ralenti considérablement par un accident vasculaire cérébral en 1999, Brassard s’est livré sans faux-fuyant dans sa biographie parue en 2010. Il y a affirmé notamment avoir toujours été ouvertement homosexuel, mais ne s’être jamais associé au Village. Son homosexualité, estime-t-il, devait l’ouvrir vers l’universel plutôt qu’entrainer un repli sur soi. La Grande Bibliothèque du Québec lui a consacré l’exposition Échos en 2015. Il célèbrait en 2021 ses 75 ans.

Après des débuts plutôt conservateurs avec un premier album intitulé La voix du bon Dieu et comme premier succès la chanson Une colombe interprété au Stade Olympique de Montréal lors de la visite du pape Jean-Paul II, Céline Dion amorce un virage après son premier grand succès Incognito en 1988.

Mais c’est en 1991, il y aura 25 ans cette année, avec son premier grand succès international francophone l’album Dion chante Plamondon qu’elle devient une icône dans la communauté gaie alors qu’elle reprend le succès de Starmania Un garçon pas comme les autres et qu’elle interprète pour la première fois L’amour existe encore en plein épidémie du sida. Elle consolide son rôle d’icône en n’hésitant pas au fil des ans à s’associer à des festivités de la fierté gaie et à sortir de sa réserve sur les enjeux politiques pour se prononcer en faveur du mariage gai et de l’adoption par les couples gais et lesbiens.

Son succès L’amour existe encore prend un sens tout personnel quand elle résonne en 2016 aux funérailles nationales de son mari et gérant René Angélil, décédé du cancer, dans la même église Notre-Dame de Montréal où elle s’était marié vingt-et-un ans plus tôt.

La modeste maison d’enfance de Céline Dion où elle a appris en famille à chanter, au 130, rue Notre-Dame à Charlemagne, qui avait été transformé en commerce avant d’être rachetée par la famille, a fait place en 2015 à une nouvelle bâtisse qui loge notamment la Fondation Maman Dion. En juillet et août 2016, la tournée qui suivra la parution d’un nouvel album francophone l’amènera au Québec pour le plus grand plaisir de ses fans.

Né à Saint-Jérome, Dave St-Pierre est l’un des plus talentueux chorégraphes du Québec. Bien qu'atteint de fibrose kystique, il a mené une brillante carrière d'interprète en danse contemporaine avant que les limitations de sa maladie l'obligent à se tourner vers la chorégraphie. Après une greffe des poumons qu’il a raconté à la caméra dans le documentaire de Brigitte Poupart Over my dead body en 2012, il a poursuivi sa carrière qui l’a amené à se produire à travers le monde.

Le très audacieux danseur et chorégraphe a accumulé une impressionnante feuille de route, notamment avec Brouhaha Danse, de 1990 à 1996. Il a dansé par la suite pour plusieurs chorégraphes québécois, dont Harold Rhéaume, Daniel Léveillé et Jean-Pierre Perrault parcourant le Canada, les États-Unis et l’Europe. Dave St-Pierre a aussi foulé les planches dans plusieurs créations dont la comédie musicale Notre-Dame de Paris. Au cinéma, il a participé à deux productions de Cinéquanon Film, dont L’enfant de la musique, dans lequel il incarne Mozart, le rôle principal.

En 2004, il fonde sa propre compagnie. Dave St-Pierre crée alors des pièces à la fois sauvages et ébouriffées, déjantées et provocatrices, touchantes et tragiques. Sa trilogie amorcée avec La pornographie des âmes s’est inscrite comme le porte-étendard de l’énergie brute. C’est avec cette pièce que Dave St-Pierre fait sa marque. La pièce, présentée cinq fois à Montréal remporte le prix du Meilleur spectacle 2004 à Francfort. La pornographie des âmes a également été présentée en Europe à Munich, Berlin, Salzbourg, Wolfsburg et Amsterdam. Autant saluée par la presse que par le public, elle a été présentée de nombreuses fois à l’international. La pornographie des âmes (2004), Un peu de tendresse bordel de merde ! (2006) et Foudres (2012) ont été vues dans plusieurs festivals d’envergure tels que Le Festival d’Avignon et de prestigieux théâtres tels que le Théâtre de la Ville de Paris et le Sadler’s Wells (Londres). Ces pièces La Pornographie des âmes et Un Peu de tendresse bordel de merde!, deux oeuvres de groupe fortes, provocatrices, poétiques, créées dans l'urgence, ont connu un vif succès.

En parallèle, la compagnie a produit les spectacles Over my dead body (2009), Bibelot (2010) et Fake (2015). Dans Fake, Dave St-Pierre rencontre Céline Dion interprétée par un jeune acteur travesti et il s’interroge sur le vrai et le faux dans la démarche artistique.

La danse de la compagnie Dave St-Pierre est brute, toujours en alerte. Des mouvements saccadés, des attrapées violentes, des étreintes fragiles, faisant la plupart du temps appel à la nudité. Ne pas cacher la difficulté d’exécution, la fatigue, l’effort. Elle veut plutôt montrer, sans fard, en simplicité.

On a pu voir le travail chorégraphique de Dave dans plusieurs pièces de théâtre à Montréal, dont Le traitement, mise en scène par Claude Poissant à l’Espace Go en 2005. Brigitte Poupart l’approche pour travailler sur son spectacle Cérémonials et le Théâtre du Nouveau Monde fait appel à lui pour signer la direction de mouvement dans le classique La Tempête, mis en scène par Victor Pilon et Michel Lemieux.

Parallèlement, il collabore avec le Cirque du Soleil. En 2004, il signe la chorégraphie du méga-spectacle Soleil de Minuit, présenté à plus de 200 000 personnes dans le cadre du Festival international de jazz de Montréal. Au cours de la même année, il remanie certaines sections chorégraphiques du spectacle Zumanity. En 2011, Love marque sa troisième collaboration avec le Cirque du Soleil.